Poéticas pictóricas a la distancia: ARTE/BILLETE/ MACULATURA/REFINES/DISEÑO

Realizó la maestría en Artes Plásticas con especialidad en Artes Gráficas en la Academia Estatal Rusa de Artes Plásticas, Instituto V. I. Surikov y un doctorado en Ciencias Pedagógicas en Educación Artística por la Universidad Nacional Pedagógica de Moscú. Desde 1994 vive y desarrolla su carrera profesional en México. A la par de su labor artística, es investigadora y docente en la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, Morelia, Mich.

El Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico de Michoacán (PECDAM), para creadores con trayectoria (2014-2015), le permitió desarrollar la exposición individual itinerante “Desde y para la memoria. Ioulia Akhmadeeva” en el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce, en Morelia (2015-2016), la cual se presenta en el Museo de Arte de Ciudad Juárez del INBAL, desde el 2020. Forma parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2019-2022).

Ha sido merecedora de reconocimientos como el primer premio en el XI Concurso Nacional de Grabado José Guadalupe Posada (2003); mención honorífica en el III Concurso Internacional de Libros de Artista LIA (2015); y mención honorífica en el IV International Print Biennial Rider, Kazán, Tartaristán, Rusia (2017).

A través de diversos recursos visuales siempre recurre a la memoria y a la cotidianidad del individuo dentro de la colectividad para mostrar un torbellino de cambios constantes que lo vincula con su pasado, presente y futuro. Convencida de que el arte es un generador de pensamiento crítico, lo visualiza como un medio para mostrar la complejidad de la realidad. Sus propuestas reflejan los acontecimientos que han impactado su vida y dejado una huella en su memoria, los inmortaliza con imágenes para generar narrativas.

Egresado de la licenciatura en Sistemas Computacionales por la Universidad Popular Autónoma de Puebla y licencia - do en Artes Plásticas por la Universidad Autónoma de Baja California. Miembro del Sistema Nacional de Creadores FONCA emisión 2020-2023. Beneficiario del programa Jóvenes Creadores FONCA 2016-2017. Profesor de la licenciatura en Arte y Diseño de la UNAM, ENES Morelia.

En el 2017 fue invitado al Summer Artists in Residence Program en Building Bridges Art Exchange, Los Angeles, CA. En 2015 realizó una residencia en Arteles Creative Center, Haukijärvi, Finlandia.

Ha participado en diferentes exposiciones en México y el extranjero. Su obra se ha mostrado en recintos como la Feria de Arte Contemporáneo “LA art show”, Los Angeles, CA (2018); la Bienal de Arte Textil Contemporáneo, Portugal (2018); la XVI Trienal Internacional de Tapicería, Polonia (2019); y en la X Bienal Lucca, Italia (2020).

El eje principal de su producción es el cuerpo-objeto, recurre a la exploración plástica haciendo uso de “la opacidad y versatilidad del concepto de cuerpo y los desplazamientos que éste tiene en las diferentes disciplinas que lo estudian o analizan”. Su trabajo no está restringido a una técnica, abarca el fumage, performance, escultura textil, entre otras, para trabajar “una exploración técnica, filosófica y poética del cuerpo como herramienta, vehículo, contenedor o como se le quiera llamar a la entidad material que nos distingue y nos comprueba ante los demás, pero sobre todo ante nosotros mismos”.

Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM. Ha realizado más de cuarenta exposiciones individuales, entre ellas: “Dos años y un día”, Centro de Arte Contemporáneo El Piramidón, España (1995); “La isla”, Zócalo de la Ciudad de México (2002); “Paisaje rizoma”, Fundación Sebastián, A.C. (2013); “Impredecible”, Museo de Arte Moderno del Estado de México” (2014); “Paisaje rizoma”, Instituto Nacional de Cancerología (2016); “In visu”, Museo de Historia de Tlalpan (2020). Sobresalen de sus más de sesenta exposiciones colectivas: “Carne”, Antiguo Palacio del Arzobispado (2010); Primera Bienal Nacional de Pintura Luis Nishizawa, Museo Taller Nishizawa (2017); programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México (2018); “La tabla periódica de los elementos”, Museo Universum (2019); y “De la tierra al cielo. 100 años con Julio Cortázar”, actualmente itinerando por Latinoamérica.

Ha sido acreedor a las siguientes becas: Jóvenes Creadores del FONCA (1996); Programa de Fomento a Proyectos y Conversiones Culturales del FONCA y de la Fundación Cultural Bancomer (2000); programa Arte por Todas Partes de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México (2002); y desde el 2014 forma parte del programa de Adquisición y Promoción del Grupo Milenio

El paisaje es su fuente de inspiración, no busca imitarlo sino indagar y proponerlo como un espacio en movimiento. Sus paisajes los amplifica o reduce al grado de perder la noción clara de sus formas, es decir, a través de la abstracción logra una reinvención del paisaje con imágenes que obtiene del microscopio o desde una toma aérea, impidiendo en muchas ocasiones determinar el punto desde donde hace su propuesta, dejando en claro que el paisaje no es estático, sino que podemos reinventarlo.

Cursó los talleres de Gráfica Popular del Instituto Nacional de Bellas Artes y el de Composición en Pintura y Dibujo en la Academia de San Carlos, UNAM, así como muchos otros talleres, cursos y seminarios que conforman su amplia formación artística.

Ha realizado treinta y ocho exposiciones individuales y alrededor de ochenta colectivas en México, Colombia, Italia, Francia, Bélgica, Estados Unidos, España, Japón y Grecia, sobresaliendo: “Pinturerías. El arte del arte taurino”, Palacio de Bellas Artes (1994); Encuentro de culturas”, Estadio Flaminio, Italia (1997); “Espiral”, Centro de Arte Contemporáneo, Francia (2008); “Causes fragmentados”, Centro Nacional de las Artes, CDMX (2010); “EncontrArte”, Embajada de México en Atenas, Grecia (2010); y “Mutaciones”, Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí (2017). Colaboró en la segunda edición del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México (2018).

Obtuvo el premio en pintura del encuentro Nacional de Arte Joven, Aguascalientes (1989); el premio en cartel del Concurso Nacional “Pinturerías”, Palacio de Bellas Artes (2004), entre otros reconocimientos. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2018-2021), distinción que obtuvo por primera vez en el periodo 2012- 2015.

El maestro Calderón se destaca por un particular manejo de trazos y líneas en las disciplinas de pintura, dibujo, escultura y grabado. Es imprescindible observar una mezcla de componentes que nos evocan estilos como el realismo, el impresionismo y el surrealismo, así como la presencia de elementos identitarios relacionados con el agua, el movimiento y el cuerpo humano.

Comenzó sus estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, posteriormente cursó la maestría en Artes Visuales por la Facultad de Artes y Diseño, UNAM. Realizó una movilidad estudiantil de investigación en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, España. Trabajo´ como impresor en el Taller de Gra´fica Intaglio del Centro Cultural Estación Indianilla, fue profesor en el CEDART Diego Rivera y en el taller de grabado del Faro de Oriente.

Ha realizado exposiciones de manera individual y colectiva en distintos recintos culturales en México y Estados Unidos, como: Museo Franz Mayer, Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Centro Nacional de las Artes, Museo Leonora Carrington, Centro Cultural México-Brasil, Museo de la Ciudad de México, Center for Latinoamerican Studies de Berkeley, California, entre otros. Se destaca su exhibición más reciente “Doble crimen”, Museo Universitario Leopoldo Flores, Universidad Autónoma del Estado de México (2020). Formó parte del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México (2018).

Su trabajo creativo se distingue por incursionar en el libro de artista, la poesía visual, el cómic, el grabado y la pintura. Su estilo se vincula con la exploración entre lo pictórico y lo gráfico, influenciado fuertemente por la literatura. Para él, los procesos de investigación de los materiales, la gestualidad y la imaginación son determinantes para el resultado final de su propuesta, el cual logra por el constante diálogo que sostiene con la lectura de los géneros policiacos y de ciencia ficción, creando un imaginario que le permite entablar una comunicación con los materiales y con las estrategias de producción.

Se especializó en Conceptos y Técnicas del Arte en Vidrio, en Pilchuck Glass School, Seattle, EUA. En México cursó el taller Transferencia de Imágenes en Cerámica, con la maestra Graciela Olio. Incursionó en el género de la instalación con la maestra Helen Escobedo. Durante varios años asistió al taller Tizapán de Cerámica a Alta Temperatura y al curso Transfer Litográfico y Técnicas Alternativas Gráficas, con la maestra Nunik Sauret.

A lo largo de su carrera ha logrado consolidar una amplia lista de exposiciones individuales y colectivas, de las cuales destacan: “Espejo derramado”, Museo de Arte Carrillo Gil (1997); “Escultura mexicana: de la academia a la instalación”, Palacio de Bellas Artes (2000); la Bienal de Cerámica de Andenne, Bélgica (2015); “Con las manos en la masa”, Museo de Arte Popular (2016); y la tercera edición del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México (2019).

En 1982, junto con su hermana Sofía Casanueva, creó el Taller-Estudio Casanueva, espacio dedicado al diseño de mobiliario, paneles de vidrio y a la creación de su obra. Fue distinguida con el cargo de presidenta de la Asociación de Artistas del Vidrio, A. C., en el periodo de 1992 a 1994. En 2019 fungió como asesora en la evaluación de ingreso a las escuelas superiores y centros de investigación del INBAL.

Para Ana María Casanueva la literatura es la fuente de inspiración de su obra. A través de sus propuestas busca insertarse en la llamada poesía visual, donde las imágenes se convierten en el medio no verbal que expresan la idea. Tres son los componentes fundamentales que se convierten en el lenguaje que busca provocar e invitar a la reflexión: el objeto, la tipografía y las metáforas.

Su formación académica se desarrolló entre la pintura y la literatura. Ingresó a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” para después cambiarse al Centro de Investigación y Experimentación Plástica del INBAL. Obtuvo la licenciatura en Lengua y Literatura Hispánicas, y la maestría en Literatura Iberoamericana por la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM.

Desde 1978 ha participado en diversas exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional con presencia en Alemania, Polonia, Yugoslavia, Rumania, Estados Unidos y Argentina. De manera individual destaca la última de sus exposiciones: “El espacio habitable”, en la Galería Ex Escuela de Cristo del Instituto Cultural de Aguascalientes (2019).

Obtuvo mención honorífica en la II Bienal Nacional José Clemente Orozco, Instituto Cultural Cabañas (1994) y, desde 2019 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Su obra forma parte de las colecciones del Museo Universitario del Chopo, Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, Museo de Arte Carrillo Gil, Museo Nacional de la Estampa, Banco de México, Secretaría de Relaciones Exteriores, entre otras instituciones.

Su trabajo aborda el tema de la naturaleza, en particular el paisaje, ya sea como el entorno más próximo, lo que le rodea, como un espacio más amplio habitado por formas, algunas veces orgánicas y otras geométricas. Además del paisaje vivido o el de la experiencia, el motivo de su reflexión ha sido el espacio imaginario, casi arqueológico, que se ha estructurado como una conformación esquemática de formas cerradas, compactas o transparentes, a partir de sus contornos o de franjas de color, a modo de esquemas abstracto-geométricos.

Cursó la licenciatura en Arquitectura, en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey, Campus Querétaro. Continuó sus estudios profesionales en el 17, Instituto de Estudios Críticos, donde realizó estudios de maestría en Teoría Crítica, con especialidad en Pensamiento Estético y Político.

Cursó la licenciatura en Arquitectura, en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey, Campus Querétaro. Continuó sus estudios profesionales en el 17, Instituto de Estudios Críticos, donde realizó estudios de maestría en Teoría Crítica, con especialidad en Pensamiento Estético y Político.

Ha sido reconocido con distintos premios y distinciones entre las que destacan: Premio de Dibujo Agustín Rivera (1993); primer Premio de Arte Joven, Querétaro (1994); primer premio en el concurso MTV Miami, para pintar un automóvil (1997); Alux de Plata, premio otorgado por la Asociación Periodística Síntesis; Residencia artística en el Castillo Honhardt, Alemania (2004); y el reconocimiento Dr. Elías Ramírez, por su labor social y cultural, otorgado por la red mundial Rotary, A.C. (2016).

El reciclaje representa la experiencia más significativa en la vida del artista: volver a nacer, la nueva vida de las formas. “Necesitamos un arte reactivo, nunca más un arte omiso y onanista”, comenta. Papel, vidrio, aluminio, piedra, obsidiana, tierras, cerámica y muchos otros materiales forman parte de sus recursos. Destaca su experiencia en el ámbito de la promoción, gestión cultural y administración de proyectos artísticos. Actualmente dirige la Galería del Agua, un espacio museístico para el desarrollo cultural comunitario y la educación ambiental, ubicado en Altzayanca, Tlaxcala, donde más de ciento cincuenta autores han dejado huella.

Estudió la licenciatura en Diseño de la Comunicación Gráfica en la UAM Xochimilco, para continuar su formación como oyente en talleres de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM.

De manera individual sus exposiciones se han presentado en México y Estados Unidos, mientras que las colectivas han visitado, además del interior de la República, otros países como Estados Unidos, Canadá, Suiza y España. En su amplio haber expositivo sobresale su participación en: XI Bienal de Pintura Rufino Tamayo, Museo de Arte Contemporáneo (2002); “Azul tierra”, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez (2018); y el programa ARTE I BILLETE I MACULATURA I REFINES I DISEÑO, Banco de México (2019). En 2011 presentó su libro Pintura, 22 Colecciones, Virginia Chévez, un recorrido fotográfico de sus obras documentadas en veintidós colecciones privadas.

Entre las distinciones recibidas se encuentra la beca Jóvenes Creadores del FONCA (1995-1996) y la mención honorífica en la II Bienal de Nutrición (1997).

Su creación plástica se reconoce por la abstracción rítmica y armoniosa en sus composiciones, de trazos y pinceladas sobrios, con una paleta basada en tonos fríos y cálidos, elementos que le sirven a Virginia para trasmitir esas sensaciones que buscan dar un respiro al espectador, que no pretenden hacerlo pensar sino disfrutar el arte desde una mirada interna, sentirlo y lograr un diálogo cordial entre el espectador y la obra. La disciplina y el respeto por su trabajo la enseñaron a cuidar la calidad de sus materiales, y pintar siempre con el compromiso de lograr una buena factura.

Tere Cito | Bengasi, Libia, 1939

Con más de cuarenta y cinco años de trayectoria, ha realizado infinidad de exposiciones individuales y colectivas, en distintos países como Canadá, Estados Unidos, Francia, Italia y México. Destacan: “Érase una vez… dibujo/instalación”, Museo Universitario del Chopo (2011); “Mujeres en el arte. Cuarta edición”, Auditorio Nacional (2011); “7000 años de arte contemporáneo rupestre”, Museo Nacional de Antropología e Historia (2018); y su participación en la primera edición del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México (2017).

En dos ocasiones fue becaria del FONCA en los periodos 2009-2012 y 2013-2016. Su obra forma parte de las siguientes colecciones: Banco de México, Museo de Arte Moderno, Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Museo de la Ciudad de México, Embajada de Atenas en Grecia, Centro Cultural México en París, y Patronato de la Universidad Nacional Autónoma de México.

El dibujo y la pintura definen la propuesta plástica de la maestra Cito, en la que destaca la belleza sensorial y la fuerza expresiva de su pincelada. Ella considera su trabajo como una bitácora, en la que se mezclan su pasión y sus sentimientos con formas orgánicas recurrentes como árboles, paisajes, cielos y tierras que logran una composición libre y abierta sin límites precisos, llena de luz y sombras; elementos que le permiten construir su cotidianidad y trasmitir su pasión y sentimientos.

Comenzó a pintar cuando era niño y con el pasar de los años no abandonó esta práctica, al contrario, siguió pintando por su cuenta sin asistir a ningún tipo de escuela profesional, formándose de manera autodidacta hasta presentar su primera exposición en 1965 en la Galería Antonio Souza.

Con cincuenta y cinco años de trayectoria, su obra se ha expuesto en los principales recintos culturales y artísticos de México como el Palacio de Bellas Artes, la Torre Ejecutiva Pemex, el Museo de Arte Moderno, la Galería del Auditorio Nacional, el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo de San Carlos y el Museo Nacional de Antropología e Historia.

Ha recibido varias distinciones: la residencia como artista invitado en el Dartmouth College en Hanover, New Hampshire, EUA (1965); obtuvo el premio de adquisición en la “Exposición solar”, Palacio de Bellas Artes (1968); y fungió como consejero artístico del Museo Mexicano en San Francisco, ese mismo año. Su obra forma parte de las colecciones del: Museo de Arte Moderno, Banco de México, Instituto Nacional de Bellas Artes, Philadelphia Museum, United Nations Collection en Nueva York, entre otros.

Artista multidisciplinario que se vale de la pintura, el dibujo, la escultura y el arte objeto para contar al espectador una realidad que se confunde con el sueño, a través de su trabajo no pretende un deslinde de lo real con lo imaginario. Él mismo define su estilo como arte figurativo, aunque en algunas ocasiones retoma la abstracción. Su propuesta está basada en satisfacerse a sí mismo y no tiene ningún objetivo en particular. Para él, todos los creadores deben seguir sus propias inclinaciones descartando las modas impuestas.

Licenciada en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas, y desde 1993 se unió a la planta docente de la actual Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Ha realizado residencias de producción artística en China, Estados Unidos y Canadá.

Desde 1988 comenzó a exponer; a la fecha ha participado en más de cien exposiciones colectivas y ha realizado dieciséis individuales, dentro de las que se encuentran: “Materia natural”, Museo de la Ciudad de México (2002) y “Agua”, Secretaría de Hacienda y Crédito Público (2011). En 2018 participó en la segunda edición del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México.

Obtuvo el premio de adquisición en la V Bienal de Pintura Pedro Coronel (2015) y en dos ocasiones se hizo acreedora a la beca del FONCA en la categoría de Jóvenes Creadores (1992-1993 y 1998-1999). En 2012 se publicó Ser de Agua, libro que aborda su trabajo como pintora, y el cual es editado por CONACULTA. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Su obra reciente es más realista, ya no se distingue por esa frontera entre lo abstracto y lo figurativo que observamos en el pasado. El tema central de su trabajo se enfoca en una reflexión sobre la impermanencia, por ello aceptó participar en esta cuarta edición del programa, ya que, desde su perspectiva, el dinero es un objeto efímero y permanente; justo esa dicotomía está presente en su integración plástica. Para Claudia, el dinero “…es un elemento cotidiano… un objeto que existe, pero no es el objeto en sí mismo y su existencia es efímera, pasajera”.

Licenciada en Artes Plásticas por Hampshire College, Amherst, Massachusetts, EUA. Ha expuesto en la Ciudad de México, Estado de México, Oaxaca, Veracruz, Michoacán, Aguascalientes, Puebla y Tijuana; y en el extranjero en Suecia, España, Bulgaria, Francia, Suiza, Estados Unidos, Argentina, Cuba y China. De forma individual, su obra se ha exhibido en el Museo de la Estampa de Toluca, Edo. de México; en el Museo de Antropología de Xalapa, Ver.; en el Centro Cultural Estación Indianilla, CDMX; en el Centro Cultural MACAY, Mérida, Yuc.; y en el Museo José Guadalupe Posada, Aguascalientes.

Su obra ha sido seleccionada en: XVIII Bienal Rufino Tamayo, CDMX; V Bienal Internacional de Guanlan, China; I y II Bienal Internacional José Guadalupe Posada, Aguascalientes; Premio Nacional L.A. Cetto de Arte Contemporáneo, Tijuana; Amateras Paper and Graphics Biennal y Annual Paper Competition, Sofía, Bulgaria; II y III Bienal Shinzaburo Takeda, Oaxaca; VII Premio Internacional de Arte Gráfico Jesús Nuñez, España; Lessedra Painting and Mixed Media Competition, Sofía, Bulgaria; Mini Print Internacional de Cadaquéz y Art Al Vent, España; y VIII Bienal Alfredo Zalce, Michoacán.

Siempre se ha interesado en la naturaleza como agente creador, y basa su trabajo artístico en imágenes o procesos de eventos naturales, los cuales registra en algún medio, ya sea grabado, monotipo, pintura o video. Actualmente, se ha centrado en observar y documentar reacciones químicas o físicas que desencadenan elementos como sales, sulfatos y fosfatos, entre otros. Busca imitar en su estudio algunos sucesos creativos de la naturaleza tales como corrosión, cristalización, suspensión, etc., lo que la ha llevado a migrar a la escultura.

Estudió la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM y la licenciatura en Educación Artística en la Escuela Superior de Artes de Yucatán. Completó su formación en técnicas gráficas en instituciones como: Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Centro Cultural Antiguo Colegio Jesuita, Centro Nacional de las Artes, y Taller de Formación y Producción “La Parota”.

Ha participado en más de cien exposiciones colectivas en México, Grecia, Filipinas, Polonia, Francia, España, Puerto Rico y Estados Unidos. De sus exposiciones individuales destacan: “Representar el silencio. Gráfica, cerámica y pintura”, Centro de las Artes de San Luis Potosí (2010) y “Mensaje para la mar. Pintura y gráfica”, Teatro de la Paz, San Luis Potosí (2018). Participó en la segunda edición del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México (2018).

Ha sido en dos ocasiones becaria del FONCA en el programa Jóvenes Creadores (1994-1995 y 1999-2000); obtuvo la beca Creadores con Trayectoria, del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes San Luis Potosí (2006), e ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte en 2008. Su obra fue seleccionada en bienales como: la Internacional de Grabado y Estampa José Guadalupe Posada, la de FEMSA, y en la Internacional de Grabado Caixanova, Ourense, España.

Su obra se distingue por el uso de la abstracción y la búsqueda del espacio imaginario como recorrido de vida. Enfatiza la sobreposición del tiempo e imágenes acumuladas, representadas mediante constructos visuales conformados con detalles sustraídos de la realidad y la ficción, sumando referencias poéticas asociadas a determinadas formas para hablar del desplazamiento y del recorrido hacia el lugar posible.

Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas con sede en la Academia de San Carlos. Entre 1981 y 1983 realizó una estancia en el taller de Emilio Vedova, en Venecia, Italia. Ha expuesto de manera individual principalmente en la Galería de Arte Mexicano, así como en galerías de Estados Unidos y Europa. Su participación en muestras colectivas suman más de cien exposiciones dentro y fuera del país. Sus obras forman parte de colecciones privadas como la de César Gaviria, Washington, D.C.; Jephan de Villiers, Charleroi, Bélgica, y la Fundación Espinoza Rugarcía, CDMX; y de diversos museos, entre los que se encuentran: el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas.

Los últimos veinticinco años ha estado dedicado al desarrollo de su obra plástica. El Sistema Nacional de Creadores del CONACULTA lo ha distinguido en cinco emisiones y actualmente es integrante del mismo. Han escrito sobre su obra: Sergio González Rodríguez, Damián Bayón, Rita Eder, Luis-Martín Lozano, Teresa del Conde, María Minera, Caroline Lamarche, Ana Cristina Ortega y Avelina Lesper, entre otros.

Es conocido por sus pinturas al óleo y gouaches. Su pintura se basa en el uso de capas y capas de color que va degradando, es decir aplica color sobre color, raspa la tela creando efectos ópticos, tonalidades inestables y matéricas, que permiten observar una geometría fugaz. El color, el espacio y la luz son fundamentales en su trabajo. Para él la abstracción es la manera que le permite no dar explicaciones sobre lo que quiso plasmar, prefiere que el espectador tenga la libertad de no ver necesariamente lo que él vio en sus telas.

Asistió a clases de dibujo y pintura en el Instituto Regional de Bellas Artes de Cuernavaca, Morelos. Cursó la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM, en donde actualmente imparte un taller de pintura.

Ha realizado diversas exposiciones individuales, destacan: “Obra reciente”, Galería Casa Colón, Miami, EUA (1998); “Agua”, Museo de Arte de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (2004); y “Díptico”, Galería Urbana (2018). Sus colaboraciones grupales se han presentado en México y en el extranjero. Colaboró en el 2018 en el programa ARTE I BILLETE I MACULATURA I REFINES I DISEÑO, Banco de México.

Ha sido merecedor de numerosas menciones honoríficas en bienales y concursos: el FONCA le otorgó la beca Jóvenes Creadores, en la especialidad de pintura en dos periodos (1993-1994 y 1995-1996). Realizó una residencia de producción artística en la Universidad de Colorado en Boulder, EUA; y formó parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2011).

Los temas abordados en su plástica abarcan el retrato, el desnudo, la naturaleza muerta y el paisaje, en especial el mar. Al principio el mar era un elemento escenográfico y la figura humana el principal elemento, con el paso del tiempo el mar se convirtió en el protagonista principal. Pretende expresar, a través del paisaje, sus experiencias de vida y la forma en que ve el mundo y la cotidianidad. Le interesa destacar en sus composiciones: espacio, distancia, horizonte, luz, temperatura, atmósfera, reflejos, transparencias y color. Con ello, intenta compartir sus experiencias visuales, vivenciales y sensoriales, dotando a la obra de un carácter evocativo o nostálgico.

Egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Posteriormente cursó el posgrado de Composición en Pintura por la Academia de San Carlos, UNAM.

Cuenta con alrededor de cien exposiciones individuales y colectivas, realizadas en su mayoría dentro del país, destacando en el extranjero las realizadas en Corea, España, Estados Unidos e Indonesia. Sobresale su participación en: la VII Bienal Iberoamericana de Arte, Palacio de Bellas Artes (1994); “Acervos artísticos de la nación”, Palacio Nacional (2012); “Antología visual mexicana”, Galería Nacional de Yakarta, Indonesia (2013); y la segunda edición del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México (2018).

Destacan en su haber: la mención honorífica en el Salón Nacional de la Plástica Mexicana (1988); el premio de adquisición en la Bienal Nacional de Pintura, convocado por CONACULTA y la Compañía Nestlé (1992); la mención honorífica en la VIII Bienal Rufino Tamayo (1996); y el premio de adquisición en la XII Bienal Rufino Tamayo (2004). Formó parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte en 2008 y 2012 y fue becario del programa Creadores con Trayectoria por CONACULTA y el Instituto Mexiquense de Cultura.

Su propuesta plástica evoca imágenes de la naturaleza, transfiguradas y en ocasiones oníricas. Su interés por la experimentación y la investigación de materiales de origen vegetal y animal, le permite procesarlos y desarrollar un lenguaje basado en ellos. Esto lo aleja de las modas y ofrece al espectador propuestas que, entre otras cosas, rescatan imágenes míticas del arte primigenio y del México ancestral que son, a la vez, lúdicas y provocadoras.

Licenciada en Pintura por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. De manera paralela asistió a los talleres libres de dibujo en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM.

Ha participado en más de noventa y cinco exposiciones colectivas, tanto en México como en el extranjero. Entre sus exposiciones individuales destacan: “Crónica natura”, Instituto de México en España (2017); “Anima natura”, Museo de Arte de la SHCP, Antiguo Palacio del Arzobispado, CDMX (2017); “Bosque negro” y “Aviario” organizadas por el Instituto Cultural de Aguascalientes (2018). Participó en el programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México (2018 y 2019).

Ha sido reconocida con varios premios y distinciones. El Instituto de Investigaciones Multidisciplinarias de la Universidad Autónoma de Querétaro editó en 2015 el libro Patricia Henríquez, con notas críticas a su trabajo y ejemplos de su quehacer pictórico, instalación y animación.

Es una artista multidisciplinaria que ha incursionado en la pintura, el grabado, la ilustración y en la creación de cortometrajes de animación experimental. El dibujo le permite modificar la percepción de la imagen, por ello sus proyectos expositivos buscan reunir tres líneas de trabajo: la instalación de dibujos efímeros, los libros de artista y el video experimental. La instalación es el género que mejor le permite dar una «nueva dimensión» a sus dibujos e involucra con fuerza el concepto de movimiento y entornos naturales, temas recurrentes en su obra. El dibujo es un registro de formas orgánicas guardadas en la memoria en constante movimiento, gracias a que sus ojos están en una búsqueda continúa de la anatomía del paisaje y de su geografía.

Realizó sus estudios profesionales en la Academia de San Carlos. Su nombre completo es Javier Vázquez Estupiñán, pero en 1974 adoptó el seudónimo Jazzamoart, inspirado en el jazz como género musical, el amor como valor universal y el arte como forma de vida.

Cuenta con infinidad de exposiciones colectivas e individuales con presencia en México, Estados Unidos, Canadá, Argentina, Ecuador, Rusia, España, Corea del Sur y Japón. Destacan: la instalación callejera sobre el día de muertos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (2015); su improvisación visual en el Jalisco Jazz Festival, Guadalajara, donde recibió un reconocimiento por su aportación al jazz nacional (2016); la invitación a colaborar en la exposición “El arte de la música”, Palacio de Bellas Artes (2016); la restauración del mural “Festín de los jazzeros”, Auditorio Nacional (2018); y su participación en la Bienal Internacional de Arte de Beijing, en el Museo Nacional de Arte de China, como representante de México (2019).

Distinciones sobresalientes: el doctorado honoris causa por la Universidad La Salle (2011); el Premio al Mérito en Artes por parte de la Asamblea Legislativa de la Ciudad de México (2018); y la Medalla Iberoamericana por la Fundación Honoris Causa (2018). Fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de 1993 a 2000.

Su propuesta pictórica, tiene dos ejes principales: uno es la representación emocional de los sonidos, de la música, particularmente el jazz, donde la imagen atrapa en un segundo las emociones que causa la percepción sonora y la convierte en colores y movimiento. La segunda, la observa en años recientes, donde busca una amalgama entre el tema abordado y la pintura, siendo esta última el elemento central y vital, para rescatar a la pintura como la eterna bandera del arte.

Incursionó en las artes a muy temprana edad en su ciudad natal, en la Academia L.S.U., donde aprendió dibujo, pintura, cerámica, escultura, grabado y litografía. Llegó a México en 1999 y continuó su formación artística en la Academia de San Carlos donde trabajó escultura y dibujo de la figura humana. Fue alumna de los maestros Manuel Guillén, Arturo Rivera, José Rodríguez y Nunik Sauret.

Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas en México, Estados Unidos y República Checa, destacando las exposiciones colectivas: “Los artistas responsables en defensa de la fauna”, Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo (2014) y la del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México (2017). De manera individual ha presentado: “Memento: entes vacilantes”, Galería de la UAM Cuajimalpa (2016); “La búsqueda de un ideal”, Museo de Historia Mexicana, Monterrey (2018); “Qí. La brújula de la armonía visible”, Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí (2019); y “Vuelo de Tanizaki’, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Zacatecas (2019-2020).

Su lenguaje plástico se basa en la abstracción y se distingue por el uso de texturas que incluyen pigmentos y materiales diversos como papeles japoneses, tintas y recortes de madera; esto le da a sus piezas un efecto de tercera dimensión. Para Lenka, el color son las palabras con las que trasmite sensaciones y los pinceles su idioma, por tanto, el color y la luz son elementos constantes de su proceso que le permiten trasmitir sus sentimientos y la alejan de cualquier tipo de imitación.

Pasó su infancia en California, EUA y volvió a México para estudiar en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Posteriormente estudió Artes Plásticas, en el San Francisco Art Institute. Actualmente vive y trabaja entre Estados Unidos y México. Su residencia principal se encuentra en la comunidad pionera de artistas de San Francisco, CA, llamada Project Artaud.

Su obra ha sido expuesta de manera individual y colectiva en galerías y museos de México y Estados Unidos, por mencionar algunas: “Espacios sublimes” y “Espíritu latino”, Artist Gallery del Museo de Arte Moderno de San Francisco, CA (2005); “Tierra, mar y cielo”, Museo de Antropología en Xalapa, Ver. (2012); Museo de Arte del Estado de Veracruz (2016); “Cuadro X Cuadro, época de oro del cine mexicano”, Museo Municipal de Cartago, Costa Rica (2019); “Arte / sano ÷ artistas 6.0”, Museo de Arte Popular de la Ciudad de México (2019); y “The calling”, Studios on the Park, CA (2020). Participó en la tercera edición del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México (2019).

Ha sido merecedor de becas de instituciones como el INBAL. Su pintura actual se caracteriza por campos de color sin una narrativa evidente, ya que prefiere las vibraciones cromáticas que consigue a base de goteo, escurrimientos y pinceladas. Para él, la pintura es un lenguaje que no necesita otro discurso que las emociones que el color provoca en el espectador, por lo que usa una paleta limitada, y deja que un solo color, en su vastedad, exprese sutilezas.

Comenzó su educación profesional en el Taller Libre de Pintura en Pequeño Formato en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Posteriormente cursó la carrera en Artes Plásticas con especialidad en Gráfica en la Escuela de Bellas Artes de Toluca; asistió al Taller Exprés de Performance impartido por Maris Bustamante, así como a una variedad de cursos, talleres y seminarios en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México, y cursos especializados en litografía con el maestro Raúl Cabello en Racasa Taller Espiral.

A lo largo de su carrera, su obra ha sido expuesta en numerosas ocasiones de forma individual y colectiva destacando: “Metamorfosis del sentir”, Museo de la Acuarela del Estado de México (2012); “Agua y aceite”, Cámara de Diputados del Estado de México (2013); “Trazo nómada”, Ex Convento del Carmen en Guadalajara (2015); y participó con libros de artista en el proyecto internacional del pergamino en Serbia con los temas: “Agua” (2016); “Juguete y robot” (2017); y “Aire” (2019).

El agua es el elemento principal de inspiración en su obra, ya que se relaciona de manera directa con ella a través de la natación y el buceo. A partir de estas disciplinas ha experimentado un conjunto de emociones y experiencias que la han motivado a crear piezas artísticas por medio de la gráfica y la pintura.

Estudió Arquitectura en la UAM Azcapotzalco, y la maestría en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM. Durante dos décadas ejerció la docencia en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, en la Fundación Jumex, y en la Universidad del Claustro de Sor Juana.

A lo largo de su trayectoria artística, destacan exposiciones como: la Bienal de Artes Visuales de Fukushima, Japón (2006); “Arte-Urbe” en el XXXIV Festival Cervantino, Guanajuato (2006); “Mujeres: sin cuenta”, Mexican Cultural Institute, San Antonio Texas, EUA. (2008); “La Ciudad de México en el arte: travesía de ocho siglos”, Museo de la Ciudad de México (2017-2018); y “El animal herido”, Museo Experimental El Eco (2020), CDMX.

Entre sus proyectos de arte público sobresalen: “Corrientes invisibles”, Metro Copilco (1999); “Observatorio”, Hermandades escultóricas México-Alemania, Fundación MACAY, Mérida, Yuc. (2008); y “Firmamentos”, Instituto de Ingeniería, UNAM (2010).

Obtuvo el Premio Arte Joven (1991); la beca Jóvenes Creadores del FONCA (1996); la residencia artística en Art Omi, Nueva York (1998); y fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2016-2019).

Su quehacer artístico se distingue por la amplitud de abordajes conceptuales y experimentaciones matéricas en obras que van de la escultura y la instalación, al arte público y las prácticas multidisciplinarias. El consumismo y sus efectos en la vida cotidiana y el paisaje, así como las fracturas en la memoria producidas por el tráfico de bienes culturales, se encuentran entre las temáticas que han guiado su investigación visual.

Su educación artística se forjó entre la Escuela Nacional de Artes Plásticas y el Centro de Investigación y Experimentación Gráfica del INBAL. Cuenta con treinta y una exposiciones individuales, de las que sobresalen: “Dibujos”, Galería de los Talleres de Expresión Artística, CDMX (1982); “Pintura”, Instituto Cultural Mexicano de San Antonio, Texas, EUA (1998); “Auto-retrato”, Museo de la Ciudad de México (2018); “Metametonimias”, Galería Le Laboratoire, CDMX (2019); y “Mario Núñez”, Galería 412, Tokio, Japón (2020).

En cuanto a las exposiciones colectivas, suman más de setenta en varios recintos culturales de México, Estados Unidos, Canadá, Suiza, Brasil, Chile, Argentina, Japón, Alemania y Cuba.

Su labor creativa ha sido reconocida con las siguientes distinciones: el premio de adquisición en el Salón Nacional de Artes Plásticas en la sección de pintura, cuya presentación se realizó en el Auditorio Nacional (1988); el primer premio en el Concurso Nacional de Pintura Indart (1992); y la beca Jóvenes Creadores del FONCA (1992), entre otras. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, FONCA.

Obtuvo el Premio Arte Joven (1991); la beca Jóvenes Creadores del FONCA (1996); la residencia artística en Art Omi, Nueva York (1998); y fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2016-2019).

Obtuvo el Premio Arte Joven (1991); la beca Jóvenes Creadores del FONCA (1996); la residencia artística en Art Omi, Nueva York (1998); y fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2016-2019).

Concluyó la licenciatura en Artes Visuales con especialización en Dibujo y Grabado en la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, institución a la cual se incorporó en 2009 como docente. Como parte de su permanente formación académica ha tomado diversos cursos, tutorías, diplomados y talleres, a la par de la impartición de diversos talleres de grabado, encuadernación y libro de artista. Recientemente realizó una residencia de producción e investigación en La Ceiba Gráfica, A.C (2020). Cuenta con diversas exposiciones individuales y colectivas en México, Estados Unidos y Rusia. En 2019 participó en la tercera edición de ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México.

Su trabajo ha sido seleccionado en la Bienal Internacional de Grabado José Guadalupe Posada (2006, 2013) y en la Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce (2007, 2014 y 2018). Su obra forma parte de la colección del Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce, del Museo José Guadalupe Posada, del Instituto Cultural de Aguascalientes y del Centro Cultural Polyforum Siqueiros.

Su propuesta plástica es una recurrencia a la memoria y a las vivencias que se traducen en códigos visuales que le permite considerar al arte como una invención. La memoria es un compendio de huellas personales disponibles para ponderar y desplegar signos y metáforas. Por ello, al ser esta un repositorio de vivencias nos evoca a la vulnerabilidad de nuestro entorno y de sus habitantes frente a la emergencia ocasionada por la actual epidemia. A través de los elementos compositivos de la obra pictórica aborda desde el paisaje la re-significación del espacio, reflejando el aislamiento y los cambios que acontecen en el mundo.

Estudió Artes Plásticas en la Universidad de Guanajuato, donde por medio del programa de Movilidad Estudiantil asistió a la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia, España. Así mismo tomó cursos y talleres impartidos por artistas como Alberto Castro Leñero, Per Anderson, Carla Rippey, Pilar Bordes, Arturo Rodríguez y muchos más.

Ha expuesto de manera individual en galerías, instituciones y centros culturales de México; sus participaciones colectivas suman alrededor de cincuenta, de las cuales destacan: “Intercambio gráfico”, Universidad de Filadelfia (2002); “Güiri”, Galería de la Universidad Politécnica de Valencia (2005); “Homenaje a José Guadalupe Posada”, Museo Olga Costa (2013); “Grabado en México”, Centro Internacional de Exposiciones, Corea (2018); “Mexican engraving”, Glayarch, Gimhae Museum, Corea (2019); y el programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México (2019).

A lo largo de su carrera ha sido merecedora de los siguientes reconocimientos: artista seleccionada en el Concurso Nacional de Grabado José Guadalupe Posada, Aguascalientes (2005, 2007 y 2013); mención honorífica en la Bienal Alfredo Zalce (2005); y mención honorífica en el XXVI Encuentro Nacional de Arte Joven (2007).

Su propuesta pictórica consiste en un juego de múltiples relaciones y conexiones entre las diferentes partes y el todo, en referencia a los conceptos de rizoma y paisaje; donde la estructura se ramifica en cualquier punto, se engruesa y puede funcionar como raíz, tallo o rama sin importar su posición en el espacio. Busca ejemplificar un sistema cognoscitivo en el que no hay puntos centrales, solo se ramifica sin algún proceso lógico estricto.

En el periodo de 1982 a 1989 se desempeñó como reportero de prensa y televisión en medios de comunicación como UnoMásUno, Tiempo Libre, Gaceta de la Universidad Nacional Autónoma de México y La Jornada. También fue redactor de textos internacionales para Canal Once y Canal 13. En 1989 fundó Tiempo Extra Editores, taller dedicado a la promoción de las artes gráficas donde ha editado obra gráfica de personalidades como Manuel Felguérez, Vicente Rojo, Leonora Carrington, Juan Soriano, Alberto Gironella, José Luis Cuevas y muchos más. En 2019 fue designado director del Museo Nacional de la Estampa. A lo largo de su trayectoria profesional ha destacado como artista gráfico y editor.

Ha realizado exposiciones en distintos recintos de México, Brasil y Francia. De manera individual destacan: “Desierto líquido”, Rabat, Marruecos (2007); “No estacionarse”, galería de la estación del Metro Chabacano (2008); y “Ciudades circulares”, Centro de Cultura Casa Lamm (2016). Sus proyectos Acento Gráfico y Aguafuertes Instituciones, lo hicieron merecedor de la beca de Coinversión del FONCA en 1994 y 2018, respectivamente.

La ciudad como estructura en movimiento y aglomeración es el tema principal del maestro Payán. El estilo de sus piezas se basa en pintar cuadritos de diferentes colores, a partir de las cuales crea formas y arma todo el cuadro; estos cuadritos representan las ventanas donde viven personas en miles de edificios que existen en una ciudad. Para él, su “balance está en no tener que pensar, es el instinto donde todo sucede, no pienso en composición, lo único que me interesa es el rush1, es la pintura hecha con las emociones y mi obsesión por los colores”.

Se graduó en Artes Plásticas por la Universidad Veracruzana. Integró a su formación artística diversos talleres de pintura y grabado, siendo alumno de Per Anderson, Nunik Sauret, Carlos García Estrada, Francisco Patlán, Ireri Topete, entre otros. Como docente impartió numerosos talleres, cursos y seminarios especializados en grabado, y desde el año 2000 es director del Taller de Estampa Básica y Avanzada Camaxtli, Tebac, del Instituto Tlaxcalteca de Cultura.

Ha realizado más de ciento cuarenta exhibiciones colectivas en México y el extranjero. Entre sus exposiciones individuales destaca “De tortugas y otros territorios”, que itineró por el Estado de México, Hidalgo, Ciudad de México, Oaxaca, Puebla, Tlaxcala, Guerrero y Morelos (2008-2009). Fue seleccionado para participar en la III Bienal Nacional de Artes Gráficas Shinzaburo Takeda (2012); la I Bienal de Estampa Contemporánea Mexicana (2009); y la V Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce (2009). Ha sido parte de la segunda y tercera edición del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México (2019).

Becario en tres ocasiones por el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes del Estado de Tlaxcala (1997, 1999 y 2002). Su más reciente mención honorífica fue otorgada en el “Erotic-print 2018” en Salamanca, España.

El armadillo es desde hace algunos años su alter ego, un personaje que por su forma física le permite ubicarlo en diversas circunstancias, situaciones y ambientes. Este animal no puede caminar hacia atrás, por ello para Enrique Pérez se convierte en un guía espiritual que lo invita a confrontarse consigo mismo, y señala: ”Cuando hay un cambio importante en mi persona, cambia también el personaje que utilizo”.

Cursó la licenciatura en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, donde posteriormente se desempeñó como profesora del Taller de Gráfica Alternativa (2007-2009). Impartió clases en la licenciatura de Artes Plásticas por la Universidad Autónoma de Baja California (2012-2016). Actualmente es docente en la licenciatura de Artes y Diseño, en la Escuela Nacional de Estudios Superiores, Morelia, Michoacán.

Ha participado en múltiples exposiciones individuales y colectivas en México, Arabia Saudita, Estados Unidos, Chile, Italia y Japón, así como en bienales nacionales como: XII Bienal de Dibujo y Estampa Diego Rivera (2006); la III Bienal de Artes de Yucatán (2006); XVIII y XIX Bienal Plástica de Baja California (2011 y 2013); XIII y XV Bienal del Noroeste, Sinaloa (2011 y 2015); y IV Arte Emergente Bienal Nacional Monterrey (2013).

Adquirió la beca del FONCA en dos ocasiones (2012-2013 y 2015-2016) en la especialidad de escultura, y desde el 2018 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

La escultura y la instalación con una variedad de técnicas y materiales, distinguen la propuesta plástica de Karen Perry. El año 2011 marcó una nueva etapa en su producción; el ensamble de objetos de fabricación industrial como los rompecabezas, se convirtió en una nueva lectura de su trabajo. Cada una de las piezas las interpreta como un fragmento de información que individualmente no significan nada, pero en conjunto revelan una imagen o una forma. Su obra es una rearticulación de las partes, un tejido que configura la imagen o textura de un lienzo.

Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM. De manera individual ha realizado más de cuarenta y dos exposiciones, sobresalen: “La voluntad de la forma”, Centro México Madrid, España (2012); “Dialogues of space expanding between Mexico City and Beijing”, Pekín, China (2012); “Cúmulo”, Museo Nacional de San Carlos (2013); y “Aventuras literarias de Cervantes en tridimensión”, XLIV Festival Cervantino, Universidad de Guanajuato (2016). Sus exposiciones colectivas suman más de cien y ha tenido presencia en Estados Unidos, China, Dinamarca, Francia y en los principales recintos artísticos y culturales de México, como: el Museo de Arte Moderno, el Museo Nacional de Antropología e Historia, el Palacio de Bellas Artes y el Auditorio Nacional.

Ha sido merecedora de la beca Jóvenes Creadores del FONCA (1994); Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2001); Residencia Artística en la Academia de Bellas Artes de la Universidad de Tsinghua en Pekín, China (2011), entre otras. Sus obras forman parte de colecciones institucionales: Museo de Arte Carillo Gil, Museo de Arte de SHCP (Antiguo Palacio del Arzobispado), Banco de México, Secretaría de Relaciones Exteriores, Racine Art Museum, Wisconsin y National Museum of Mexican Art, Chicago, EUA, por mencionar algunas.

Su trabajo tiene distintas referencias, pero sobre todo busca señalar al espectador la relación que existe con la naturaleza y se vale de ella para incorporar en sus piezas materiales como el papel, las semillas, la madera, la tierra y el barro. Reconoce que la belleza y la complejidad de la naturaleza hacen de ella un fuerte motor para su trabajo, esto la lleva a explorar, investigar y experimentar en la metamorfosis de las formas.

Estudió Grabado en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”; la maestría en Artes Visuales por la Academia de San Carlos, donde obtuvo mención honorífica en su examen de grado; y el doctorado en Imagen, Arte, Cultura y Sociedad por la Universidad Autónoma del Estado de México.

Ha realizado múltiples exposiciones individuales y colectivas, destacando: “Cartografía, campo extendido de la gráfica”, Secretaría de Hacienda y Crédito Público (2015); “Territorio y representación”, Museo Nacional de la Estampa (2016); “Mapas, nubes y días”, Universidad Iberoamericana (2016); y “Recorridos y desplazamientos”, Secretaría de Cultura del Estado de Durango (2018). Su obra se ha exhibido en muchos países como España, Alemania, Italia, por mencionar algunos. Participó en el 2019 en el programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México.

Fue becaria en dos ocasiones por el Sistema Nacional de Creadores de Arte (2011 y 2015); obtuvo mención honorífica en la I Bienal de los Volcanes, Morelos (2015); mención honorífica en la XIII Bienal de Dibujo y Estampa Diego Rivera, Guanajuato (2008), entre otras distinciones.

Desde hace varios años, para Coral Revueltas los recorridos y desplazamientos humanos y animales, a lo largo del territorio nacional, son los ejes temáticos de su investigación. La cartografía le permitió hacer una reconstrucción de ambientes ideales y fantásticos del espacio geográfico; territorios paralelos donde traza sus propias e inimaginables rutas para re-imaginar un espacio físico y simbólico, como el desplazamiento migratorio de la ballena gris, que viaja de los mares de Bering y Chukchi, en el Ártico, a la costa de Baja California Sur, México.

Egresó de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” donde se formó como escultor, posteriormente impartió la docencia en su alma mater.

Su obra ha recorrido el mundo en países como Estados Unidos, Indonesia, Filipinas, Australia, Hong Kong, China, Francia, Suiza, Malasia, Ecuador y El Salvador, sumando más de veinticinco exposiciones individuales y alrededor de setenta exposiciones colectivas. A lo largo de su sólida y próspera carrera ha recibido múltiples premios y reconocimientos: en 1990 es incluido en el Diccionario Nacional de Escultura de la historiadora Lily Kassner; representó a México en la exhibición de “Artistas emergentes de América Latina”, galería Passage de Retz en París, Francia (1998); ese mismo año recibió un reconocimiento especial por su desempeño profesional por parte de Rafael Tovar y de Teresa, entonces director del CONACULTA; ganó el premio de adquisición dos veces en la VII y VIII Bienal de Pintura Rufino Tamayo (1994 y 1995); y fue becario del FONCA en cuatro ocasiones (1996, 2001, 2004 y 2012).

El propio maestro define su estilo como neoecléctico, al yuxtaponer imágenes de pinturas históricas de artistas como Caravaggio, Rembrandt, Goya, Velasco, por mencionar a algunos, con imágenes de la cultura pop masiva y garabatos que remiten al graffiti naive, donde se observan elementos a diferentes escalas quitando la seriedad al personaje original y la coexistencia de la antigüedad y la modernidad. Su pincelada fina y madura utiliza personajes de la vida cotidiana satirizados de una manera ingenua para invitar al espectador a una reflexión sobre el mensaje que pretende enviar y que en ocasiones podría interpretarse como agresivo.

De formación autodidacta, adquirió parte de su experiencia al lado de Vicente Rojo en la Imprenta Madero. Realizó una residencia en el taller de grabado Lacourière et Frélaut en París, Francia.

Cuenta con treinta y nueve exposiciones colectivas y veinte individuales en México y en el extranjero. Entre sus exposiciones individuales destacan: “Niebla de ausencia”, Museo de Arte Carrillo Gil, CDMX (1988); “La caída de Ícaro y otros vuelos”, Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara, Jal. (2001); “Encuentros”, Museo de Arte de Zapopan, Jal. (2005); y “Memorial del agua”, Biblioteca Miguel Lerdo de Tejada, CDMX (2014).

Realizó trabajos de diseño gráfico editorial e ilustraciones para instituciones como la UNAM, El Colegio de México, el Fondo de Cultura Económica, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París y la Cineteca Nacional, entre otras.

Fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en 2001, 2004 y 2014 y de la Comisión de Artes Plásticas del FONCA (2008-2012). Su obra es parte de las colecciones del Museo de la Basílica de Guadalupe, Museo de Artes Gráficas de Oaxaca, Museo Nacional de la Estampa, Museo de Arte Carrillo Gil y Colección Bancomer.

Para el maestro Rulfo su producción es el resultado de “la reflexión, las pausas, el silencio y el tiempo”, es una unidad en la que se involucra desde el primer momento preparar los soportes para sus lienzos, los materiales y pigmentos. El tiempo es primordial, ya que el clima, la humedad y la luz son procesos que transforman sus lienzos en representaciones de las más variadas emociones. A través del color, la textura y la luz sus rostros y figuras humanas logran reflejar la tristeza y la alegría de la vida cotidiana.

Posee una formación excepcional. Ha pasado con singular provecho por los talleres de Eduardo Cohen, Gilberto Aceves Navarro, Oscar Gutman, Alfredo Guati Rojo y Nunik Sauret, lo que le permite moverse con solvencia en la geografía del dibujo, la acuarela, la estampa, la pintura, el arte objeto y la escultura.

Cuenta con un sinfín de exposiciones individuales, entre ellas: “… y su corazón se les queda frío y sus alas dejan caer…”, Universidad del Claustro de Sor Juana (1999); “Las consumidoras consumidas”, Ex Teresa Arte Actual (2000); “Imperio de las memorias”, Museo Nacional de Historia, Castillo de Chapultepec, INAH (2002); “La bella mentirosa”, Galería Distrito 14, “De erizos, zorros y otras personalidades”, Museo Casa de la Primera Imprenta, UAM (2006); y “The others”, Naomi Silva Gallery de Atlanta (2006).

Estudiosa de las técnicas, así como de las modalidades expresivas, transita entre una abstracción poética y una figuración crítica. Guarda particular devoción por el retrato, donde revela un psicologismo estremecedor; el linaje de los que concibe y fabrica corresponde al tipo proto científico, derivados de una mirada compulsiva que, curiosa e inquisitiva, solo pretende “ver” sin adjetivos. Sus resultados son feroces, ya que metafóricamente desuellan las capas más superficiales de materia hasta advertir los espasmos de la personalidad y el temperamento. Percepción e interpretación se diluyen en la oferta de una imagen que duda entre el ojo y el espejo. Justo en ese límite fragilísimo se ubica el quehacer estético de quien, para empezar con consistencia y negando el más mínimo toque de autocomplacencia, se somete al mismo tratamiento que les dispensa a sus víctimas plásticas.

Comenzó su carrera profesional en la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Se formó en las técnicas de grabado y gráficos japoneses con profesores como Kobayashi Keisei, Tatsuma Watanabe y Kuniko Satake. Ha trabajado la pintura y el dibujo, pero es reconocida por su habilidad para desarrollar el grabado. Innumerables son las exposiciones que ha realizado, destacan de manera individual: “La mujer en la plástica”, Palacio de Bellas Artes (1975); “La mujer en las artes visuales”, Museo de Arte Moderno, Cali, Colombia (1980); “Exposición permanente de arte contemporáneo”, Museo de Arte Moderno de México (1983); “Gráfica mexicana del siglo XX”, Museo de Arte Contemporáneo, Río de Janeiro, Brasil (1986); programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO, Banco de México (2019); y la más reciente, “Instantes y silencios: Itinerarios gráficos de Nunik Sauret”, Museo Nacional de la Estampa (2020).

Por su destacado talento ha obtenido tres veces la beca Creadores Artísticos del FONCA (1998-2000, 2006-2009 y 2012-2015); actualmente es miembro de la Academia de las Artes de México.

El manejo excepcional de diversas técnicas la coloca en un lugar sobresaliente de la plástica mexicana, por ello críticos y colegas hablan de su trabajo artístico. Para el curador Luis Ignacio Sáinz “Nunik Sauret decidió vivir sumergida en las tintas y las texturas de las estampas hasta mutarlas en su segunda piel, en el guardarropa de su alma”. Leonora Carrington señaló que su obra “es verdaderamente individual, abarcando con la habilidad del conocimiento íntimo de su medio, la visión de su propio ser y de su entorno”. Joy Laville expresó: “En sus grabados no hay nada superfluo, nada que se pueda agregar ni nada que se podría quitar. Cada imagen es completa”.

Inició su formación académica en la Escuela de Arte de Corcoran en Washington (EUA). Amplió su formación en la Escuela de Bellas Artes en París, Francia, y después, en 1976, recibió la beca Lincoln-Juárez de la Secretaría de Relaciones Exteriores de México, para estudiar muralismo en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. También estudió grabado en el Molino de Santo Domingo de la Ciudad de México.

Su obra se ha expuesto en los principales recintos de la Ciudad de México incluyendo la Galería de Arte Mexicano, el Museo de Arte Moderno y el Museo José Luis Cuevas, al igual que en distintos estados del país como Aguascalientes, Querétaro, Oaxaca, Guanajuato y Baja California. Así mismo ha expuesto internacionalmente en Estados Unidos, Corea, Filipinas, Singapur, Tailandia, Indonesia, Bélgica, Suiza y Australia. Su labor la llevó a recibir la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA en tres ocasiones en los periodos 2000-2003, 2003-2006 y 2012-2015. Recientemente colaboró en el programa ARTE I BILLETE I MACULATURA I REFINES I DISEÑO, Banco de México (2019).

El trabajo de Mary Stuart ha sido prolífico, se distingue por el tratamiento figurativo y abstracto desarrollado a partir de la espiritualidad, la naturaleza, la belleza estética y la cotidianidad. En su propuesta plástica podemos observar un abanico de técnicas como pintura al óleo y al gouache, escultura en bronce, grabado, collage, pedacería de barro y diseño de tapetes (tejidos en Oaxaca con la participación de artesanos de la región). Además, ha producido una amplia serie de arte objeto inspirado en abanicos, elaborados a través de objetos orgánicos, materiales naturales y amuletos.

Artista visual, licenciada en Diseño Gráfico por la Universidad Anáhuac del Sur. Realizó un máster en Creación y Diseño en Sistemas Interactivo Multimedia por la Universidad Autónoma de Barcelona, y un posgrado en Producción Gráfica por la Universitat Pompeu Fabra, Barcelona, España, así como diversos talleres de arte en Central Saint Martins College of Art and Design en Londres, Inglaterra.

Complementó su formación profesional asistiendo a diversos talleres y cursos de arte, diseño y fotografía en Inglaterra, Estados Unidos y México. Fue alumna de José Castro Leñero, Gilberto Aceves Navarro, Gabriel Macotela, Nunik Sauret, Adán Paredes y Patricia Lagarde.

Entre sus exposiciones individuales destacan: “Deshilando caminos”, en el Museo Ferrocarrilero de Aguascalientes (2015) y “Entrecruzamientos, soñar caminos, caminar sueños”, con tres sedes de exhibición: el Centro Cultural San Pablo, el Museo de la Filatelia y la Biblioteca Burgoa, en Oaxaca (2015). Ambas muestras se caracterizaron por la intervención de artesanos textiles de cada estado, ya que la artista está comprometida con la valoración y dignificación del quehacer artesanal y el trabajo en colaboración. Las exposiciones colectivas donde ha participado se han presentado en México, España, Estados Unidos y Canadá. En 2017 creó la marca Tanus Design dedicada a la creación de arte utilitario hecho en México.

Su formación como diseñadora gráfica le permite conciliar la precisión del diseño con la libertad de su producción plástica en un sinfín de soportes que incluye el dibujo, pintura, grabado, libros de artista, cerámica, instalación y arte-objeto. Se distingue por reflexionar y escribir sobre sus procesos de composición y fábrica.

Estudió filosofía en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Después, se mudó a España donde comenzó su carrera artística estudiando dibujo y pintura en la Academia Leonardo Da Vinci y el Círculo Artístico de Barcelona.

Su trabajo ha sido exhibido en México, España, Alemania y Malta. Entre sus exposiciones individuales y colectivas, sobresalen: “En sazón”, Centro de Cultura Casa Lamm, CDMX (1998); “El ágora”, Xalapa, Ver. (2000); y “Artistas en papel”, Polyforum Cultural David Alfaro Siqueiros, CDMX (2003). Sus dibujos han ilustrado algunas publicaciones como las revistas El Bagre. Cultura y Sociedad desde Tamaulipas y Voices of Mexico del Centro de Investigación sobre América del Norte de la UNAM, los libros Azar que danza de Rocío González y El retorno de los comunes coordinado por Carlos López Beltrán, por mencionar algunas.

Recibió el reconocimiento a su proyecto Taller de Ilustración de Cuentos para Niños por la Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal (2004-2005). Sus piezas forman parte de la colección de arte del Banco de México y de la Embajada de México en Madrid.

Para María, la observación de su entorno es lo que la lleva a crear una narrativa de la realidad y una poética de lo inmaterial para lograr un imaginario personal donde el color y la materialidad se convierten en el vehículo para expresar con imágenes lo que no puede transmitir con la palabra. Su trabajo es una constante exploración que va en contra de la velocidad, capa tras capa, paso a paso la estimula a seguir adelante, absorta en sus pensamientos. Como diría Miriam Moscona, su trabajo es “una cabalgata silenciosa, una carrera contra la rapidez, la forma inversa de la prisa, un elogio a la paciencia”.

Licenciada en Artes Visuales para la Expresión Plástica, por la Universidad de Guadalajara. Estuvo a cargo de la Coordinación Académica de la licenciatura en Artes Visuales del Centro Universitario de la Costa de la Universidad de Guadalajara, donde actualmente se desempeña como profesora e investigadora en el departamento de Arte, Educación y Humanidades.

Entre las numerosas exposiciones colectivas e individuales destacan: “Termómetros, registro visual de la naturaleza y sus cambios” en la Universidad de Newcastle, Inglaterra (2019) y su colaboración con el Banco de México en el programa ARTE I BILLETE I MACULATURA I REFINES I DISEÑO (2017 y 2018).

Entre las importantes distinciones a lo largo de su carrera, destacan: la beca del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Jalisco (2010) y la beca como Creador Artístico del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2012-2015 y 2018-2021).

El interés que despertó la técnica del grabado en la maestra Topete le permitió expresarse a través de una gran variedad de procesos gráficos, que pusieron en pausa la pintura. Su trabajo lo desarrolla a partir del registro en dibujos, fotografías y anotaciones de lo que sucede en su entorno cotidiano para después reinterpretar visualmente el continuo cambio y movimiento de la sociedad. Esta edición la dedica a todos aquellos guerreros de la medicina y la investigación, todos los que han perdido la vida en aras de encontrar una solución a este problema sanitario; y quiere que reconozcamos esa luz en medio del caos... el valor de la salud

Licenciada en Artes Visuales por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Autónoma de Querétaro. Como docente ha impartido talleres de artes visuales para adultos y niños. Realizó una residencia de trabajo en el centro Casa Goytia de la Fundación Rojo Urbiola en Galicia, España (2008).

Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas, tanto nacionales como internacionales. Destacan: “Sombras y siluetas”, Embajada de México en Lisboa, Portugal (2008); “Novos soportes, novas miradas”, Museo-Auditorio del Concello de Ribeira, España (2009); “Resonancias 2008-2011”, Museo de Arte de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (2013); y “La tabla de los elementos”, Universum, Museo de las Ciencias (2019).

En cinco ocasiones se hizo merecedora de la beca del Fondo Estatal del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes (2003, 2005, 2009, 2010 y 2011) y fue becaria del programa Jóvenes Creadores del FONCA (2013-2014). Actualmente forma parte del Sistema Nacional de Creadores (2020-2023). Su obra forma parte de las colecciones de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Universidad Autónoma de Querétaro, Banco BBVA Miami, Banco del Bajío, entre otras.

Su trabajo pictórico se distingue por la abstracción y el uso variado de técnicas como la pintura al temple, acrílico, collage y tintas. Pertenece a una generación de jóvenes artistas interesados en disciplinas visuales alternativas como la instalación, la fotografía y el video. Entiende la pintura como un diálogo permanente con ella misma y un género abierto a la diversidad de posibilidades, lo que hace de su propuesta un muestrario de emociones, experiencias, compromisos, deseos, frustraciones y comunicación.

Licenciada en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM y con maestría en Grabado en Color por la Academia de San Carlos, UNAM. Realizó estudios de especialización en Francia y Canadá. Fue docente en la Universidad Iberoamericana y en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, así como dentro del programa Creadores en los Estados. Realizó residencias artísticas en México, India, China, Finlandia, Francia, Canadá, y Sudáfrica, entre otros países.

Con más de cien exhibiciones colectivas y cincuenta y tres exposiciones individuales, se destacan: “Horizontes fragmentados”, Museo Amparo de Puebla (2008); “Tramas urbanas”, Berlín, París, Beirut, Tailandia y Estados Unidos (2014 al 2016); y “Recreaciones urbanas”, Museo Textil de Oaxaca (2020). Formó parte del programa ARTE I BILLETE I MACULATURA I REFINES I DISEÑO, Banco de México (2017).

Destacan distinciones como la mención honorífica en la Bienal Internacional de Korea en 2004, ser miembro de la Academia Internacional de Cerámica de Ginebra, Suiza desde el 2014 y formar parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte del 2000 al 2017.

Se distingue como escultora, ceramista y pintora, siendo la temática urbana uno de sus principales ejes discursivos. Recurre a la fotografía como un recurso para reinterpretar sus propuestas, en las cuales aglutina materiales reciclados. Utiliza el encausto como aglutinante, técnica milenaria a base de resinas y cera que producen veladuras transparentes fuera de foco.