Barry Wolfryd
(Los Ángeles, Estados Unidos, 1952)

Su base ideológica se vincula con la conciencia histórica y la crítica social que trabajó durante su estancia entre Nueva York y el sur del estado de Conneticut en la primera mitad de los años setenta. Con los años, Wolfryd desarrolló un lenguaje pictórico propio, basado en el uso de símbolos y elementos iconográficos de distintas disciplinas y materiales, tales como: la gráfica, la escultura en cerámica, el collage y la intervención de objetos. Desde 2014, introdujo el vidrio en su práctica escultórica, para difundir el mensaje sobre la fragilidad de las narrativas del mundo contemporáneo.

Comenzó sus estudios artísticos en el Housatonic Community College de Bridgeport, Connecticut, Estados Unidos, y luego en la Universidad de las Américas y el Instituto Allende. Posteriormente, estudió pintura y dibujo en el Instituto Nacional de las Artes de San Luis Potosí y en el Chicago Art Institute en Illinois, Estados Unidos.

Entre sus 45 exhibiciones individuales sobresalen: Identidades Reconstruidos, Al-Tiba9 Contemporary, en España (2024); Spectacularizing the Margin, en el Museo HDLU, Croacia (2023) y La fragilidad del absurdo,en el Museo Arocena (2023). Ha participado en más de 120 muestras colectivas, entre estas: Tale of Two Hearts, Museo de las Américas, Denver, Estados Unidos (2024) y Anthropos e Kainos II, Ex Cartiera Latina- Sala Nagasawa, Roma, Italia (2023).

En 2023, obtuvo la distinción de Creador Artístico por el Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA). Fue seleccionado en el VI Bienal Miradas de Tijuana en 2014; así como en la X Bienal Monterrey FEMSA en 2012.

Su obra forma parte de colecciones privadas e institucionales tanto en México como en el extranjero, entre las que destacan: Benetton Art Collection, en Traviso, Italia; Grupo Milenio; Museo de Arte Contemporáneo en Vidrio de Alcorcón, en Madrid, España; Museo Real Fábrica de Cristales, en Segovia, España.

Barry Wolfryd
(Los Ángeles, Estados Unidos, 1952)

Su base ideológica se vincula con la conciencia histórica y la crítica social que trabajó durante su estancia entre Nueva York y el sur del estado de Conneticut en la primera mitad de los años setenta. Con los años, Wolfryd desarrolló un lenguaje pictórico propio, basado en el uso de símbolos y elementos iconográficos de distintas disciplinas y materiales, tales como: la gráfica, la escultura en cerámica, el collage y la intervención de objetos. Desde 2014, introdujo el vidrio en su práctica escultórica, para difundir el mensaje sobre la fragilidad de las narrativas del mundo contemporáneo.

Comenzó sus estudios artísticos en el Housatonic Community College de Bridgeport, Connecticut, Estados Unidos, y luego en la Universidad de las Américas y el Instituto Allende. Posteriormente, estudió pintura y dibujo en el Instituto Nacional de las Artes de San Luis Potosí y en el Chicago Art Institute en Illinois, Estados Unidos.

Entre sus 45 exhibiciones individuales sobresalen: Identidades Reconstruidos, Al-Tiba9 Contemporary, en España (2024); Spectacularizing the Margin, en el Museo HDLU, Croacia (2023) y La fragilidad del absurdo,en el Museo Arocena (2023). Ha participado en más de 120 muestras colectivas, entre estas: Tale of Two Hearts, Museo de las Américas, Denver, Estados Unidos (2024) y Anthropos e Kainos II, Ex Cartiera Latina- Sala Nagasawa, Roma, Italia (2023).

En 2023, obtuvo la distinción de Creador Artístico por el Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA). Fue seleccionado en el VI Bienal Miradas de Tijuana en 2014; así como en la X Bienal Monterrey FEMSA en 2012.

Su obra forma parte de colecciones privadas e institucionales tanto en México como en el extranjero, entre las que destacan: Benetton Art Collection, en Traviso, Italia; Grupo Milenio; Museo de Arte Contemporáneo en Vidrio de Alcorcón, en Madrid, España; Museo Real Fábrica de Cristales, en Segovia, España.

Barry Wolfryd
(Los Ángeles, Estados Unidos, 1952)

Su base ideológica se vincula con la conciencia histórica y la crítica social que trabajó durante su estancia entre Nueva York y el sur del estado de Conneticut en la primera mitad de los años setenta. Con los años, Wolfryd desarrolló un lenguaje pictórico propio, basado en el uso de símbolos y elementos iconográficos de distintas disciplinas y materiales, tales como: la gráfica, la escultura en cerámica, el collage y la intervención de objetos. Desde 2014, introdujo el vidrio en su práctica escultórica, para difundir el mensaje sobre la fragilidad de las narrativas del mundo contemporáneo.

Comenzó sus estudios artísticos en el Housatonic Community College de Bridgeport, Connecticut, Estados Unidos, y luego en la Universidad de las Américas y el Instituto Allende. Posteriormente, estudió pintura y dibujo en el Instituto Nacional de las Artes de San Luis Potosí y en el Chicago Art Institute en Illinois, Estados Unidos.

Entre sus 45 exhibiciones individuales sobresalen: Identidades Reconstruidos, Al-Tiba9 Contemporary, en España (2024); Spectacularizing the Margin, en el Museo HDLU, Croacia (2023) y La fragilidad del absurdo,en el Museo Arocena (2023). Ha participado en más de 120 muestras colectivas, entre estas: Tale of Two Hearts, Museo de las Américas, Denver, Estados Unidos (2024) y Anthropos e Kainos II, Ex Cartiera Latina- Sala Nagasawa, Roma, Italia (2023).

En 2023, obtuvo la distinción de Creador Artístico por el Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA). Fue seleccionado en el VI Bienal Miradas de Tijuana en 2014; así como en la X Bienal Monterrey FEMSA en 2012.

Su obra forma parte de colecciones privadas e institucionales tanto en México como en el extranjero, entre las que destacan: Benetton Art Collection, en Traviso, Italia; Grupo Milenio; Museo de Arte Contemporáneo en Vidrio de Alcorcón, en Madrid, España; Museo Real Fábrica de Cristales, en Segovia, España.

Barry Wolfryd
(Los Ángeles, Estados Unidos, 1952)

Su base ideológica se vincula con la conciencia histórica y la crítica social que trabajó durante su estancia entre Nueva York y el sur del estado de Conneticut en la primera mitad de los años setenta. Con los años, Wolfryd desarrolló un lenguaje pictórico propio, basado en el uso de símbolos y elementos iconográficos de distintas disciplinas y materiales, tales como: la gráfica, la escultura en cerámica, el collage y la intervención de objetos. Desde 2014, introdujo el vidrio en su práctica escultórica, para difundir el mensaje sobre la fragilidad de las narrativas del mundo contemporáneo.

Comenzó sus estudios artísticos en el Housatonic Community College de Bridgeport, Connecticut, Estados Unidos, y luego en la Universidad de las Américas y el Instituto Allende. Posteriormente, estudió pintura y dibujo en el Instituto Nacional de las Artes de San Luis Potosí y en el Chicago Art Institute en Illinois, Estados Unidos.

Entre sus 45 exhibiciones individuales sobresalen: Identidades Reconstruidos, Al-Tiba9 Contemporary, en España (2024); Spectacularizing the Margin, en el Museo HDLU, Croacia (2023) y La fragilidad del absurdo,en el Museo Arocena (2023). Ha participado en más de 120 muestras colectivas, entre estas: Tale of Two Hearts, Museo de las Américas, Denver, Estados Unidos (2024) y Anthropos e Kainos II, Ex Cartiera Latina- Sala Nagasawa, Roma, Italia (2023).

En 2023, obtuvo la distinción de Creador Artístico por el Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA). Fue seleccionado en el VI Bienal Miradas de Tijuana en 2014; así como en la X Bienal Monterrey FEMSA en 2012.

Su obra forma parte de colecciones privadas e institucionales tanto en México como en el extranjero, entre las que destacan: Benetton Art Collection, en Traviso, Italia; Grupo Milenio; Museo de Arte Contemporáneo en Vidrio de Alcorcón, en Madrid, España; Museo Real Fábrica de Cristales, en Segovia, España.

Beatriz Canfield
(Ciudad de México, 1972)

Es egresada de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (ENPEG-INBAL), Beatriz Canfield ha desarrollado una trayectoria diversa y experimental en la escultura. Su práctica abarca desde el trabajo con metales hasta procesos performáticos con explosivos, explorando constantemente la temporalidad, el espacio, con el fin de expandir los límites de la escultura.

Ha realizado más de veinte exposiciones individuales y participado en más de cincuenta colectivas en México y en el extranjero. Vivió y trabajó en Suiza durante siete años, donde fundó la galería Zone 30 Art Public y produjo obra monumental en espacio público, entre ellas el Memorial en Lac Geronde en Sierre (2014) y la Escultura monumental en Longemalle Parc Rennes (2013).

Entre sus exposiciones individuales destacan El Centro de las Cosas, en el Centro de Ciencias de la Complejidad-UNAM (2025). Cuerpos de Agua, en el Museo del Risco (2025) Le vide de l’enveloppe Zone 30 Art Public, (Suiza, 2021). Escultura expandida MMAC, Museo Morelense de Arte Contemporáneo, (2020), Recordar sus nombres Museo de la Ciudad de México, (2019), Anónimos Galerie Zur Schützanlaube, (Suiza, 2015). Entre el cielo y el agua MUCA C.U, (2003).

Su obra ha sido presentada en diversos espacios en España, Francia, Inglaterra, Suiza y México. Además de su producción artística, se ha desempeñado como gestora y curadora en diversos proyectos curatoriales.Ha recibido múltiples reconocimientos, entre ellos la Mención Honorífica en Escultura en el Encuentro Nacional de Arte Joven (2001). Fue becaria de Jóvenes Creadores (2000) y del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2017). Desde 2022 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Cisco Jiménez
(Cuernavaca, Morelos, 1969)

Su propuesta artística satiriza los contrastes y paradojas culturales, sociales y políticos de México y Latinoamérica. A través de un recurso discursivo que combina una rica paleta de colores, texturas y formas con palabras que evocan localismos, busca establecer un diálogo entre el espectador y la obra, invitando a la reflexión crítica. Emplea la palabra como herramienta educativa, política, religiosa y comercial, creando íconos distintivos y nombrando sus creaciones con neologismos humorísticos que añaden profundidad a su mensaje.

Inició su formación artística en el Instituto Regional de Bellas Artes. Posteriormente, su formación académica se orientó hacia el Diseño Industrial en la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) y en The Art Students League, en Nueva York, trabajó junto al pintor estadounidense de arte abstracto Bruce Dorfman (Nueva York, 1936). Su interés por la crítica social y las historietas lo llevó a colaborar con el caricaturista mexicano Eduardo del Río, conocido como RIUS.

Su obra ha traspasado fronteras y ha sido incluida en numerosas colecciones internacionales. Ha presentado su trabajo en países como Alemania, Brasil, Ecuador, Estados Unidos, Holanda y Portugal. Entre sus exposiciones individuales y colectivas más destacadas se incluyen: Anatómica, Museo Amparo (2022); Desastrerama, Centro Cultural Jardín Borda (2016); y Espías del cosmos, Museo de Arte Moderno (2014). En 2001, colaboró con el artista estadounidense Jimmie Durham (Houston, 1940 -Berlín, 2021) en la Bienal de Venecia y en 2018, fue galardonado con el Premio de la Bienal de Pintura Rufino Tamayo.

Su incorporación al Sistema Nacional de Creadores (SNCA-FONCA) tuvo lugar en 2014, consolidando así su presencia en la escena artística nacional. Su obra forma parte de acervos de gran prestigio, tales como: Colección Jacques y Natasha Gelman, The Museum of Fine Arts, Houston, además de Jimmie Durham, Bélgica; y Annette Bischof, Alemania

Edna Pallares
(Ciudad de México, 1965)

Su práctica artística se distingue por la exploración de la identidad, la memoria y las conexiones emocionales entre el ser humano y su entorno. El estudio de disciplinas como la escultura,dibujo e instalación, la llevaron a crear lenguajes que fusionan lo figurativo y lo abstracto. Uno de los elementos distintivos de su práctica artística es su capacidad para generar atmósferas que evocan lo onírico y lo introspectivo.

Es maestra y licenciada en Artes Visuales por la Facultad de Arte y Diseño (FAD-UNAM). Su formación incluye estudios especializados en París y una residencia artística en Canadá. Actualmente, se desempeña como profesora investigadora en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Morelos (UAEM).

Ha presentado sus exposiciones en múltiples galerías y museos, entre las que sobresalen: Yo ya estuve aquí, pero ahora es diferente, Museo Universitario del Chopo (2024); Objeto Coaptado: memoria, identidad, mito, sacrificio, Museo Universitario de Ciencia y Arte (2021); y El brillo de la forma, Galería Drexel (2025). Entre las exposiciones colectivas que ha colaborado destacan: 50 mujeres, 50 obras, 50 años, Museo de la Ciudad de México (2020) y Paradigmas, una década de esculturas, Museo Federico Silva (2013).

Fue seleccionada para realizar una escultura para la colección de Arte Objeto de la Joyería TANE. Ha participado en el II Simposio de Escultura en Piedra “Tuniich Ka” en 2013 . Fue galardonada con el tercer lugar en el International Snow Sculpting Symposium, Estados Unidos en 1999 y con el premio de adquisición otorgado por el Centre Régional des Oeuvres Universitaires et Scolaires, Francia en 1989. Actualmente ha sido acredora a la beca SNCA 2025.

Ernesto Álvarez
(Ciudad de México, 1955)

Su obra ha estado integrada principalmente por esculturas, relieves y dibujos. Inspirado en las culturas antiguas y la espiritualidad del hombre con el cosmos y la naturaleza; sus piezas muestran signos y símbolos para poder evocar un mensaje a través de estos. Sus esculturas están caracterizadas por el uso de formas geométricas con acabados orgánicos, además de uso de distintos materiales y colores. Con un lenguaje sintético y una técnica depurada.

Estudió la maestría y licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño (FAD-UNAM).

Entre sus exposiciones individuales son notables: Portales, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez (2019) y Recinto, Museo de Arte Moderno (1993). Así como la exposición Signos en Museo de Arte Contemporáneo de Isfahán, Irán (2005); Centro Cultural de la Fundación Corea, Seúl, Corea (2006) y Umeda Sky-Building, Osaka, Japón (2006).

A lo largo de más de 30 años de trayectoria, ha participado en cerca de 350 exposiciones colectivas en museos y galerías en países como: México, Japón, Corea del Sur, Estados Unidos, y Polonia. Entre ellas se encuentran: Bienal Internacional de Escultura Toyamura, Japón (2005, 2003, 1997 y 1995), Trienal Internacional de Escultura, Osaka, Japón (1995 y 1992) y Gran Premio Henry Moore, Japón (1991).

En el año 2000, ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA-FONCA). En 1995, recibió la beca otorgada por la Fundación Pollock-Krasner. Fue beneficiario del Programa de Fomento a Proyectos Culturales otorgado por el FONCA en 1994. Obtuvo el Premio Especial Trienal de Escultura Internacional, Osaka, Japón en 1992. Obtuvo el Premio en la Bienal Henry Moore, Museo Utsukushi-ga-hara, Japón en 1991.

Su obra se encuentra en las colecciones permanentes del Museo al Aire Libre Utsukushi-ga-hara, Japón; Museo Contemporáneo Osaka, Japón; Jardín de las Esculturas, Centro Cultural de Manila, Filipinas; el Museo Art Stilon, Gorzow, Polonia.

Héctor M. Flores
(Ciudad de México, 1980)

Su principal fuente de inspiración escultórica es el resplandor del universo observable. A través de sus obras, explora la interacción de la luz con la materia y el espacio, aplicando diversas técnicas. Su dominio del vidrio sólido transparente le ha permitido integrar múltiples procesos.

Sus primeros acercamientos al arte del vidrio ocurrieron en la infancia, en el taller de vitrales de su padre. Más adelante, continuó su formación con estudios especializados en Estados Unidos y Turquía. En 2018 ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA-FONCA), realizó una residencia artística en Japón, gracias a Seto Ceramic & Glass Art Exchange Program.

Su obra ha sido expuesta en América, Asia, Europa y Medio Oriente. Entre sus muestras destacan Energía y Materia: de la serie El Universo, Casamarilla Arte Contemporáneo (2023), y Cosmos, Museo del Centro Cultural Mexiquense Bicentenario (2018). Colectivamente participó en Walk with the Light, Quimo Art Gallery, China (2024); Invited Artists, Seto City Art Museum, Japón (2021 y 2014); y Loading, Museo de Arte del Tolima, Colombia (2024). También formó parte de la quinta y séptima edición del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO del Banco de México (2021 y 2023).

Obtuvo mención honorífica en la V Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán (2011) y segundo lugar en la II Bienal Internacional de Vidrio Artístico Contemporáneo (2008). Su obra forma parte de colecciones como: Museo del Vidrio, Monterrey; Secretaría de Hacienda; Secretaría de Cultura del Estado de México; Eskişehir Glass Museum, Turquía; Seto City Art Museum, Japón; Museo de Arte del Tolima, Colombia; Taoxichuan International Art Center, China; Guemgang Nature Art Collection, Corea, entre otras. Su obra aparece también en el Diccionario de Escultores Mexicanos del Siglo XX.

Horacio Castrejón
(Ciudad de México, 1965)

Es artista, investigador y académico. Interesado en el arte actual y urbano, además de escultura y diseño. En su propuesta se encuentra el uso de materiales tradicionales como la piedra, el metal, la madera, el cobre y la cerámica; además de materiales alternativos como la nieve, el hielo y el fuego para la producción de obras. Involucra metodologías interdisciplinares en su obra, explorando entre las artes visuales, la poesía y la literatura.

Es doctor en Artes y Diseño, maestro en Artes Visuales por la Academia de San Carlos y licenciado en Arte Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas (FAD-UNAM).

Es coordinador de la Licenciatura de Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño (FAD-UNAM) y académico de la Universidad Anáhuac Norte desde 2014. También se ha dedicado a la docencia en arte desde 1990, impartiendo cursos a nivel licenciatura y maestría; entre los temas de los cursos que ha impartido destacan la ilustración, la escultura, la pintura y el dibujo experimental. Ha sido ponente en eventos y actividades de nivel posgrado y licenciatura y organizador de coloquios y conferencias. Ha organizado el taller Texturas y colores. Alebrijes realizados con la técnica de afelpado, Centro de las Artes de San Agustín, Oaxaca (2019).

Ha formado parte de proyectos como: V Congreso Internacional en Arte Sostenible, Universidad Complutense de Madrid (2024) y Exposición Internacional México-España: Cartas entre Octavio Paz y Chillida, FAD-UNAM/Universidad Complutense de Madrid (2024). Gracias a su participación artística en escultura e instalación; ha colaborado en concursos y simposios nacionales e internacionales. Algunos países en los que ha trabajado son Alemania, Canadá, Estados Unidos, Estonia, Francia, Italia y Líbano.

Mario Palacios Kaim
(Ciudad de México, 1953)

Con más de cincuenta años dedicado a las artes visuales, su obra abarca una amplia variedad de técnicas, incluyendo la pintura, el performance, la gráfica y la instalación. Su lenguaje visual se centra en las posibilidades de la abstracción, tanto gestual como geométrica, destacando, esta última, como una experiencia que revela símbolos arquetípicos y las fuerzas que dan origen a la manifestación fenomenológica del mundo. En sus instalaciones, emplea materiales que permiten explorar el impacto del tiempo y los efectos de la luz.

Es artista autodidacta y su formación se ha distinguido por una profunda investigación personal que incluye talleres artísticos, viajes y lectura de libros, todo ello en función de las necesidades expresivas que surgen en su obra. Su enfoque innovador y experimental en la intervención de objetos lo ha llevado a presentarse en los países Brasil, China, Estados Unidos, Francia, Hungría, Japón y Reino Unido.

Las exposiciones individuales y colectivas destacadas en las que ha participado son: Zona de indiferencia, Museo de la Ciudad de México (2024), Móviles, séptima edición del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO 2023 del Banco de México y Arte Mexicano: Legacy of the masters, Crocker Art Museum, Estados Unidos (2014). Recientemente, integró la instalación a su trabajo como una herramienta experimental y presentó las muestras El Quinto Muro, Sinagoga Histórica Justo Sierra (2014) y Abismo superficial, Galería Celda Contemporánea (2013).

Ha sido parte de la VI Bienal Monterrey FEMSA en 2003 y la XI Bienal de Pintura Rufino Tamayo en 2002. Su obra forma parte de las colecciones del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, la Biblioteca de Alejandría y Secretaría de Relaciones Exteriores.

Quirarte + Ornelas
Anabel Quirarte y Jorge Ornelas(Ciudad de México, 1980 y 1979)

Los artistas exploran las posibilidades de habitar mentalmente el espacio, estableciendo un diálogo entre opuestos como la pintura y la escultura, la tridimensionalidad y la bidimensionalidad, buscando las conexiones entre ellos. Este proceso de exploración les permite crear estructuras que replantean la idea del objeto, destacando su naturaleza divisible y transformable.

La complicidad de la dupla emergió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (ENPEG-INBAL). En 2004, tras ser beneficiarios del programa otorgado por la Fundación Baden-Württemberg en la Staatliche Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe, Alemania, su obra logró consolidarse como colaboración.

Con veinte años de trayectoria en el medio artístico y más de 85 exposiciones individuales y colectivas, sus obras integran colecciones tanto nacionales como internacionales, incluyendo el Museo de Arte de Sonora (MUSAS), Fundación Luciano Benetton, Italia y Museo Würth, Alemania. Destacan sus colaboraciones en la residencia artística RONDO (2024) y en la séptima edición del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO 2023 del Banco de México. Han presentado su trabajo en las exhibiciones colectivas como Geometric Abstraction in Latin America, George Mason University, Estados Unidos, (2019), Líneas en el espacio, México (2019), y Constructed Otherness, Reino Unido (2015).

Su labor ha sido reconocida con diversos premios y distinciones, destacando el premio de adquisición Bienal Arte Lumen tercera edición 2018, el primer lugar Premio Luna, una expresión artística en 2009, la mención honorífica obtenida en la XIII Bienal de Pintura Rufino Tamayo 2006, y han sido miembros del Sistema Nacional de Creadores de Arte en distintas ediciones.

Rolando Jacob
(Reynosa, Tamaulipas,1984)

Vive y trabaja en la Ciudad de México. El trabajo de Rolando Jacob, influenciado por su formación como arquitecto, explora las tensiones entre el ser humano y su entorno construido. A través del dibujo, la pintura, la instalación y la creación de ambientes, su práctica indaga en las relaciones entre los objetos arquitectónicos, el conflicto y la memoria. Su obra hace alusión a las utopías arquitectónicas del siglo XX y a la idea de modernidad desde la periferia, materializando mediante la tergiversación de la forma las contradicciones inherentes a las narrativas hegemónicas del progreso y del sueño moderno mexicano.

Es arquitecto por la Universidad Autónoma de Nuevo León y tiene un Máster en Investigación en Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Su trabajo se ha presentado en instituciones y espacios de México, Estados Unidos y España, entre los que destacan el Museo de Arte Carrillo Gil, el Antiguo Colegio de San Ildefonso, el MUCA Campus, Matadero Madrid y el Centro de las Artes de Monterrey. Ha sido beneficiario del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico (PECDA, 2015), del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2013, 2017) y del Patronato de Arte Contemporáneo (2017, 2023). Participó en la 6ª edición del Programa BBVA-MACG y en el Programa Educativo SOMA, generación 2019.

Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en México.

Saúl Kaminer
(Ciudad de México, 1952)

En la obra de Saúl Kaminer, la geometría se manifiesta como un lenguaje que busca reconstruir el orden a partir de la fragmentación. Su uso de líneas, curvas, sombras y volúmenes crea un universo abstracto, donde estructuras flotantes parecen buscar un anclaje. Su exploración estética y arquetípica, que privilegia la síntesis, es un acto de sanación que, a través de la forma, trata de conservar la memoria de un universo emocional y natural. El arte de Kaminer, se encarna como un lenguaje cinético y minimalista que restablece un diálogo entre el caos y el cosmos.

Realizó una maestría en el Institut d’Urbanisme de Paris y es licenciado por la Facultad de Arquitectura (FA-UNAM). Es co-fundador del grupo Magia-Imagen, integrado por ocho artistas latinoamericanos, cuya relación con el pintor surrealista Roberto Matta fue fundamental para desarrollar sus propuestas.

Entre sus más de 70 exposiciones individuales destacan Decir Luz es decir sombra, Museo Nacional de la Estampa (2024); Órbitas, rumbos y sombras, Museo de la Ciudad de México (2018) y Masques, Galerie Thessa Herold en París, Francia (2014). Participó de manera colectiva en más de 170 exposiciónes entre ellas, Abstracción, Transformación y no figuración, itinerante en 18 sedes y Peintres contemporains du Mexique, Musée Picasso, Antibes (1980). Colaboró en la primera edición del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO 2017 del Banco de México.

Ha sido reconocido con numerosos premios y distinciones, entre los más destacados se encuentran las menciones honoríficas otorgadas en el Salón de Vitry-sur-Seine 1987 y el Salón Nacional de Artes Plásticas 1982. Recibió la beca de investigación artística del Conseil régional de l’Ile-de-France en 1983 y el Premio Fortabat en la Maison de l’Amérique Latine de París en 1994. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA) desde 1997.

Sergio Gutman
(Ciudad de México, 1960)

Es artista plástico interesado en la Escuela del Sur, tendencia estética iniciada por el artista uruguayo Joaquín Torres García, que surgió como parte de la versión latinoamericana del constructivismo. Para Gutman, todo empieza con una estructura, por lo tanto, el arte es estructura. Gutman es un precursor del constructivismo en México, al usar los materiales como madera de construcción y cemento en la realización de sus piezas. De acuerdo con el artista, el constructivismo es un arte impersonal y un estilo atemporal que nunca cambia.

Estudió fotografía en la School of Visual Arts de Nueva York. Tomó diversos talleres con los artistas catalanes Frederic Amat, Albert Ràfols-Casamada y Joseph Guinovart en Barcelona.

Destacan las exposiciones individuales Feliz conciliación de lo cúbico y lo plano, Museo de la Ciudad de México (2024); Magic Squares, Galería Cecilia de Torres, Nueva York, Estados Unidos (2011); Círculo Cuadrado, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina (2006) y Cuatro Cilindros, Museo Universitario del Chopo (2004). Resaltan las muestras colectivas Une Conquéte de l’Art de Amérique Latine, en el Espace Bellevue, Francia (2006).

Ha participado en las ferias internacionales de arte como Pinta’09, dedicada a la promoción de arte latinoamericano en Nueva York, Estados Unidos; Arte Américas 2008 y 2009 en el Convention Center, en Miami, Estados Unidos; Art’Bo’08, en Bogotá, Colombia y Arco’05, en Madrid, España. Recientemente fue invitado a la XV Bienal de La Habana, en la cual presentó su obra monumental Contramatices. Su obra pertenece a las colecciones privadas de la Fundación Alon para las Artes, en Buenos Aires; Fundación Daniela Chappard, en Caracas; colección Jean Cherqui, en París; y colección Emilio Pacheco y Harriet Rabinowitz, en Miami.

Víctor Guadalajara
(Ciudad de México, 1965)

A través de su propuesta artística explora el arte como un fenómeno estético fundamentado en principios como el color, la composición, el movimiento, la luz y el equilibrio. Su búsqueda se enfoca en las posibilidades creativas de la geometría y el color como un método para desafiar las fronteras planas del lienzo. Utiliza como recurso formas orgánicas y geométricas para la construcción de sus representaciones, dando lugar a objetos metamórficos que invitan a la reflexión.

Es licenciado en Diseño Gráfico por la Escuela de Diseño, Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (EDINBA). Sus obras han sido exhibidas en museos y espacios internacionales con y su trayectoria artística incluye más de 27 exposiciones individuales y cerca de 110 exposiciones colectivas de pintura, escultura y grabado en Alemania, Argentina, Canadá, Estados Unidos, México, Japón, Singapur y Suiza.

Su trabajo se ha exhibido de manera individual en las muestras Trepidante/Exultante, Galería MN Contemporáneo (2017), 4A2G, Museo de Arte Moderno (2001) y Elipsis, Museo de Arte Carrillo Gil (1996). Ha colaborado en las muestras colectivas Yo también, Galería Ethra (2013) y Encuentros de Primavera, Museo de Arte Moderno (1993). Participó en la quinta y séptima edición del programa ARTE | BILLETE | MACULATURA | REFINES | DISEÑO 2021 y 2023 del Museo Banco de México.

En 2007, se integró al Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA-FONCA) y una década después, participó como jurado en la especialidad de escultura del mismo programa. En 2018, fue seleccionado para realizar la escultura monumental Renacimiento de la luz conmemorativa por los 100 años de Asociación para Evitar la Ceguera en México (APEC) -Hospital de la Ceguera.